La plupart des personnes dans le domaine de la cryptomonnaie pensent que les NFT sont dépassés.

Dans le monde de l'art, la plupart des gens considèrent les NFT comme une arnaque, qui n'a fait que tromper brièvement quelques célébrités d'Hollywood et des fondateurs de cryptomonnaies à Singapour avant de disparaître.

En outre, il y a un troisième groupe, le plus bruyant, qui répète depuis quatre ans les mêmes trois phrases :

· « Ce n’est qu’une image JPEG. »

· « Je peux enregistrer votre singe valant un million de dollars en faisant un clic droit. »

· « Les NFT sont une arnaque, il s'agit simplement de vendre à prix élevé des images aléatoires d'animaux. »

Si vous avez navigué sur Internet après 2021, vous avez certainement entendu ces trois phrases, voire peut-être même prononcées.

Mais toutes ces affirmations sont fausses, et les données le démontrent clairement ; je ne comprends vraiment pas pourquoi personne ne le souligne publiquement.

En 2025, le chiffre d'affaires du marché traditionnel de l'art s'est élevé à 59,6 milliards de dollars américains, en hausse de 4 % par rapport à l'année précédente, mais toujours inférieur au pic de 67,8 milliards de dollars américains en 2022.

La taille actuelle du marché NFT est d'environ 2 milliards de dollars américains, soit une baisse d'environ 90 % par rapport à son pic. À première vue, vous diriez : « Oui, les NFT ont perdu. »

Mais il ne faut pas se fier aux apparences. Pendant les quatre dernières années, l'ensemble du monde de l'art — musées, galeries de prestige, maisons de ventes aux enchères et collectionneurs les plus expérimentés — ont silencieusement construit l'infrastructure pour ce qu'ils prétendent être « disparu ».

Ce n'est pas un article de « signal » qui vous dira que le prix plancher de votre PFP (NFT d'avatar) préféré va augmenter de 50 fois. Cet article vous emmènera en profondeur :

· Pendant que tout le monde surveillait les mouvements des prix, que faisaient les gardiens du monde de l'art ?

· Pourquoi chaque important mouvement artistique a-t-il été ridiculisé pendant des décennies avant d'être reconnu ?

· Pourquoi les arguments baissiers sur les NFT sont totalement infondés.

I. Le marché que vous croyez invincible est en réalité en train de rétrécir

Le marché de l'art traditionnel est évalué à 59,6 milliards de dollars. Ce chiffre provient du rapport 2026 publié par Art Basel et UBS, rédigé par Dr. Clare McAndrew, l'analyste le plus respecté dans ce domaine au cours des dernières décennies.

Par rapport aux normes des NFT, ce chiffre est énorme. Mais il y a certaines vérités sur ce chiffre qu'on ne vous a pas dites :

Stagnation de la croissance : en baisse par rapport au sommet de 67,8 milliards de dollars en 2022, avec deux années consécutives de déclin avant une légère reprise.

· Réduction du marché intermédiaire : le marché des œuvres inférieures à 50 000 dollars a diminué depuis plus de dix ans.

· Concentration élevée de la valeur : les œuvres dont le prix dépasse 1 million de dollars représentent moins de 1 % du total des lots, mais contribuent à 54 % de la valeur totale.

· Transfert de richesse : Le rapport souligne également un tournant important à venir : le « transfert massif de richesse ». Au cours des vingt prochaines années, plus de 80 billions de dollars d'actifs seront transmis de la génération du baby-boom à leurs descendants.

Relisez cette phrase : « 1 % des lots représentent 54 % de la valeur ». Le marché de l'art traditionnel n'est pas un véritable marché de 60 milliards de dollars. C'est un marché de 30 milliards de dollars destiné au grand public, accompagné d'un « super casino » de 30 milliards de dollars en haut de l'échelle, où les milliardaires échangent des œuvres de Basquiat et de Picasso comme moyen efficace d'éviter les impôts.

Mais ce marché haut de gamme fait face à un problème : les acheteurs sont âgés, les négociants sont âgés, et l’infrastructure est obsolète. Les jeunes qui hériteront des 80 billions de dollars n’ont pas grandi en regardant les catalogues de Christie’s.

Ils ont grandi à l'ère d'Internet.

Ainsi, avant de discuter des NFT, il est important de clarifier un point : les prétendus concurrents des NFT ne constituent pas un marché en pleine croissance et en expansion. Il s'agit d'un marché vieillissant, confronté à de graves problèmes de centralisation et à une transition intergénérationnelle, dont les héritiers ne veulent pas des anciens biens. Et c'est précisément cela que l'on appelle les « actifs sûrs ».

Sur le marché haut de gamme, les collectionneurs chevronnés accordent de plus en plus d'importance à la gestion patrimoniale, à la liquidité et à la transmission, plutôt qu'à la découverte de nouveaux médiums artistiques.

Voyons maintenant comment ceux qui dirigent l'art utilisent vraiment leur propre argent.

Deuxièmement, le gardien a déjà agi sans que vous vous en rendiez compte.

Le monde de l'art dispose d'un mécanisme très particulier pour légitimer un nouveau médium artistique. Le processus est le suivant :

Un petit nombre d'artistes ont créé une nouvelle forme d'œuvre.

· Les critiques se moquent, les collectionneurs ignorent.

Un petit nombre de conservateurs audacieux ont intégré ces œuvres dans des collections institutionnelles.

D'autres musées ont également suivi cet exemple après avoir observé les acquisitions.

Les maisons de vente aux enchères ont détecté le changement institutionnel et ont commencé à vendre aux enchères ce type d'œuvres.

· Les galeries de premier plan ont signé ces artistes.

· Le prix continue d'augmenter dans les générations à venir.

C'est la tactique habituelle, applicable à la photographie, à l'art vidéo et à l'art installation. Elle fonctionne pour chaque médium que le monde de l'art a initialement considéré comme « n'étant pas un véritable art ».

Et cette tactique est actuellement en cours dans le domaine de l'art numérique et de l'art sur chaîne. La plupart des gens ne savent pas que la phase initiale s'est déjà achevée discrètement.

Voici certaines œuvres permanentes des grands musées :

· Le Museum of Modern Art de New York (MoMA) : en 2023, il a acquis l'œuvre « Unsupervised » de Refik Anadol. Cette œuvre a été suspendue dans le hall du musée pendant près d'un an, attirant 3 millions de visiteurs. Cette acquisition inclut également un NFT associé et un souvenir blockchain accessible à la création par les visiteurs.

La même année, le MoMA a également acquis 3FACE d'Ian Cheng. Il s'agit d'un NFT génératif capable de lire le contenu du portefeuille du propriétaire et de changer en fonction des évolutions de ce contenu. Cette œuvre d'art conceptuel ne pourrait pas exister sans la blockchain.

Centre Pompidou (Paris) : en 2023, il a acquis 18 œuvres NFT provenant de 13 artistes. La collection inclut des CryptoPunks, des Autoglyphs et des œuvres de Sarah Meyohas. La conservatrice Marcella Lista les décrit comme une continuation naturelle des œuvres des maîtres de la collection, telles que Bruce Nauman.

· Los Angeles County Museum of Art (LACMA) : possède l'une des collections d'art sur chaîne les plus réputées au monde. En février 2023, le collectionneur Cozomo de' Medici a fait don de 22 œuvres d'art génératif et blockchain, notamment des CryptoPunks, des Ringer de Dmitri Cherniak et des œuvres de Tyler Hobbs.

Il s'agit du plus grand don d'art blockchain jamais reçu par un musée américain. De plus, le fondateur d'Art Blocks, Erick Calderon, a directement donné au musée la version finale de Chromie Squiggle, œuvre fondatrice du mouvement de l'art généré entièrement sur chaîne. Le LACMA a également créé le premier fonds au sein d'un musée américain dédié à la collection d'art numérique d'artistes femmes.

· ICA Miami : C'est l'une des premières institutions à avoir accepté le don de CryptoPunk #5293. En 2022, Yuga Labs a offert un second Punk et a lancé le « Punks Heritage Program », visant à présenter les CryptoPunks dans des musées du monde entier.

· Le Whitney Museum : depuis des années, il collecte discrètement des œuvres d'art numérique et d'art web, avec deux œuvres de Rafaël Rozendaal dans ses collections permanentes. Depuis 2001, il exploite une plateforme d'exposition numérique appelée Artport.

· Buffalo AKG Art Museum : a organisé à la fin de l'année 2022 l'exposition « Peer to Peer », la première exposition d'art blockchain dans un musée américain. Le point historique soulevé par le commissaire mérite d'être retenu : en 1910, le même musée a organisé la première exposition photographique dans un musée américain. En 1910, la photographie n'était toujours pas considérée comme un art, alors qu'il s'était écoulé trois quarts de siècle depuis son invention.

· Guggenheim Museum : En 2024, une œuvre de Jenny Holzer intitulée Light Line, une installation LED déroulante de 900 pieds de long intégrant des textes générés par l'IA, a été exposée.

Le Centre Pompidou, le Museum of Modern Art de New York (MoMA), le Los Angeles County Museum of Art (LACMA), l'Institute of Contemporary Art de Miami (ICA Miami), le Whitney Museum of American Art, le Buffalo AKG Art Museum et le Guggenheim Museum constituent ensemble les piliers institutionnels de l'art contemporain aux États-Unis et en Europe, et tous ont officiellement annoncé leur soutien à l'art numérique et à l'art blockchain au cours des quatre dernières années.

Ceux qui ne prêtent pas attention vous diront que les institutions n'en ont rien à faire. Mais en réalité, ces institutions sont déjà entrées sur le marché ouvertement. Le marché les ignore simplement parce que le prix plancher a chuté.

Trois : Chaque mouvement artistique que vous prenez au sérieux aujourd'hui a un jour été une blague.

C'est une partie que les amateurs de cryptomonnaies ignorent souvent, mais que les personnes du monde de l'art comprennent généralement.

En 1863, le salon officiel français, le Salon de Paris, a rejeté plus de 2 000 peintures. En raison du grand nombre d'œuvres refusées et des protestations qui en ont découlé, Napoléon III a ordonné la création du « Salon des refusés ». Les gens y affluaient, mais pour se moquer. Le Déjeuner sur l'herbe de Manet en était le centre d'attention, et les critiques l'ont qualifié de vulgaire.

Aujourd'hui, ce tableau est considéré comme l'une des œuvres fondatrices de l'art moderne et est conservé au musée d'Orsay. S'il était vraiment vendu, sa valeur serait un chiffre inestimable.

En 1874, un groupe d'artistes rejetés par le salon officiel a organisé sa propre exposition. Un critique a utilisé le tableau de Monet, « Impression, soleil levant », pour se moquer d'eux et a employé le terme « impressionnisme » pour les insulter.

Ce nom s'est répandu ainsi. Par la suite, il est devenu le mouvement le plus important de l'histoire.

Jusqu'en 1987, plus d'un siècle après la mort de Van Gogh, une de ses peintures a brisé le record d'enchères pour une œuvre d'art moderne, dépassant les prix longtemps dominés par les maîtres classiques. « Les Tournesols » a été vendue chez Christie's pour près de 40 millions de dollars.

Van Gogh n'a vendu qu'une seule toile de son vivant. Aujourd'hui, ses œuvres se vendent aux enchères pour plus de 100 millions de dollars.

Ce retard est une étape incontournable de chaque révolution artistique, sans exception.

Cela ne signifie pas que la reconnaissance artistique nécessite toujours un siècle. Cela signifie que la satire précède souvent la reconnaissance, suivie par l'adoption institutionnelle, puis la réévaluation du marché en dernier.

Prenons l’exemple de l’art pop. En juillet 1962, l’exposition de la série « Campbell’s Soup Cans » d’Andy Warhol a ouvert au Ferus Gallery de Los Angeles. À côté, un autre galerie a moqué l’événement en exposant de véritables boîtes de soupe Campbell dans sa vitrine, avec une pancarte indiquant : « Originals, 29 cents ». Seules 5 des 32 peintures ont été vendues. Le galeriste Irving Blum a finalement racheté l’ensemble de l’œuvre pour 1 000 dollars.

Ces 32 peintures de boîtes de soupe sont désormais parmi les œuvres les plus précieuses du Museum of Modern Art (MoMA) de New York. L'une des œuvres de cette série a été vendue en privé pour plus de 9 millions de dollars.

The grocery store has long been forgotten.

Prenez l’art conceptuel comme exemple. En 1967, Sol LeWitt a publié « Paragraphs on Conceptual Art » dans la revue Artforum. La première phrase de ce texte est : « L’idée devient une machine à faire de l’art. » À l’époque, ce point de vue était largement considéré comme une philosophie marginale dans le monde de l’art.

Les artistes conceptuels des débuts ont délibérément créé des œuvres impossibles à collectionner, ainsi que des protocoles, des instructions et des certificats, en partie pour critiquer le système des galeries. Ils cherchaient à échapper au marché.

The auction record for Sol LeWitt has now exceeded $1.6 million. His wall drawings are now held in major museums worldwide.

Conceptuellement, une fresque murale ressemble à un contrat intelligent : quelqu'un rédige les règles, quelqu'un d'autre les exécute. « L'art » réside dans le protocole.

Il a inventé le cadre pour l'art généré sur chaîne, alors qu'aucune blockchain n'existait encore pour exécuter ce cadre, ce qui précède de cinquante ans l'apparition de la blockchain.

Voyons maintenant combien de temps a pris la naissance de ces œuvres d'art. La partie suivante devrait vous surprendre :

Impressionnisme : 124 ans ont passé de la moquerie en 1863 à la première rupture de record aux enchères modernes en 1987.

· Pop Art : après avoir été moquée dans un épicerie en 1962, elle a été acquise de manière permanente par le Museum of Modern Art de New York (MoMA) à la fin des années 1960, pour un prix de plusieurs millions de dollars.

· Art conceptuel : environ 35 ans entre le manifeste de 1967 et les prix aux enchères dépassant le million.

· Art NFT : Quantum, considéré comme le premier NFT, a été minté en 2014. CryptoPunks a été lancé en 2017. Christie's a organisé sa première grande vente aux enchères d'œuvres d'art NFT en 2021. Sept ans ont passé.

Seven years.

Les impressionnistes ont organisé huit expositions avant que le monde ne sache même pas comment les appeler. Les premiers artistes NFT continuent toujours de créer. La plupart d’entre eux sont encore en vie. La plupart d’entre eux sont toujours au milieu de leur carrière. La même stratégie qui a été utilisée pour évaluer Manet, Van Gogh, Warhol et Lévy se joue désormais silencieusement sur eux.

L'impressionnisme a mis des décennies à passer de la moquerie à une capitalisation boursière de plusieurs milliards de dollars. L'art conceptuel a également fait face à la même résistance.

Son modèle est le suivant : un nouveau média apparaît, la société dominante le méprise, puis un grand nombre de créateurs et de collectionneurs l'adoptent, suivis par les institutions, puis les fonds affluent.

Le rythme de développement des NFT est plus rapide que celui de n'importe quelle école artistique de l'histoire.

« L'idée devient une machine qui fabrique de l'art. » — Sol LeWitt, 1967
Il parlait alors de peintures murales. Mais sa description s'applique tout aussi bien aux contrats intelligents.

Quatrièmement, les galeries de premier plan ont déjà voté avec leurs pieds

Si vous voulez savoir quels artistes seront inscrits dans les livres d'histoire dans 20 ans, ne regardez pas les prix aux enchères, mais observez quelles galeries les ont signés. Les galeries Pace, Gagosian et Hauser & Wirth contrôlent qui entrera dans les musées et qui figurerait dans les manuels scolaires. Ce sont les participants les plus conservateurs du monde de l'art ; elles ne signent un artiste que lorsqu'elles estiment qu'il sera encore important dans 50 ans.

Pace Gallery : fondée en 1960, représente les héritages d'artistes tels que Rothko et Sol LeWitt. L'artiste Sol LeWitt est le plus étroitement associé à la transmission conceptuelle de l'art NFT. Pace a lancé en novembre 2021 une plateforme dédiée aux NFT et au Web 3, appelée Pace Verso. Depuis, ils ont collaboré avec de nombreux artistes de leur roster pour lancer une série de projets NFT :

· Jeff Koons (œuvre sculpturale envoyée sur la Lune)

· Maya Lin

· Trevor Paglen

· teamLab

· DRIFT

· Tara Donovan

· Lucas Samaras

· John Gerrard

· Loie Hollowell

· Leo Villareal

· Random International

Regardez attentivement cette liste. Ces artistes ne sont pas de nouveaux venus dans le domaine de la cryptomonnaie. Ce sont des figures reconnues du monde de l'art contemporain, qui publient pour la première fois des œuvres NFT via l'une des trois principales galeries.

Ensuite, en mars 2023, Pace a accompli un geste encore plus significatif : il a organisé une exposition personnelle pour Tyler Hobbs, un artiste d'art génératif issu du domaine de l'art sur chaîne, dans sa galerie phare de New York. Douze grandes toiles issues de son algorithme QQL ont été exposées dans la même salle que les œuvres de Rothko et de Calder.

Le QQL Mint Pass a été vendu 17 millions de dollars en septembre de l'année précédente. Un mois plus tard, pendant un marché baissier des cryptomonnaies, son prix sur le marché secondaire a grimpé à 28 millions de dollars.

La galerie Pace organise une exposition individuelle pour un artiste de NFT génératif non pas pour faire de la publicité, mais pour voter.

Ce n'est pas un cas isolé :

La galerie Lehmann Maupin est la première galerie commerciale à accepter les paiements en cryptomonnaie.

La galerie Hauser & Wirth présente des œuvres liées aux NFT de Jenny Holzer.

· La galerie Gagosian accepte les paiements en cryptomonnaie.

Sotheby’s a lancé son propre marché métavers en 2021 ; depuis son lancement, les ventes de NFT ont dépassé 100 millions de dollars, et l’entreprise continue de verser des redevances aux artistes, alors que la plupart des marchés ont abandonné les paiements de redevances sur chaîne.

· Christie's a lancé Christie's 3.0 en octobre 2022, la première plateforme de vente aux enchères entièrement basée sur la blockchain lancée par une maison de ventes aux enchères traditionnelle.

Les maisons de vente aux enchères et les galeries d'art de premier plan ne sont pas obligées de le faire. Leur activité est déjà très florissante sans cryptomonnaies. Elles le font parce que les esprits les plus éclairés des coins les plus conservateurs du monde de l'art ont analysé les données et conclu que les tendances de collection des 25 prochaines années se développeront ici.

Cinq : Des données irréfutables

Mike Winkelmann a créé quotidiennement une œuvre d'art numérique pendant treize ans consécutifs et les a publiées en ligne, mais presque personne ne s'y est intéressé. Il ne comptait qu'un petit groupe de fans, n'avait aucun représentant de galerie ni l'attention des musées, et n'avait aucune place dans le monde de l'art traditionnel.

Cependant, en mars 2021, la maison de ventes aux enchères Christie's a vendu un fichier composé de l'ensemble de ses 5 000 œuvres assemblées, pour un prix final de 69,3 millions de dollars. Son pseudonyme est Beeple.

Maintenant, rassemblez toutes les données.

· Beeple, « Everydays: The First 5000 Days » : vendu 69,3 millions de dollars chez Christie’s en mars 2021. Il s'agissait de la première vente d'une œuvre d'art NFT entièrement numérique par une grande maison de ventes aux enchères. Beeple est ainsi devenu le troisième artiste vivant le plus cher de l'histoire des ventes aux enchères.

· Pak, « The Merge » : avec un chiffre d'affaires de 91,8 millions de dollars en 2021, il s'agit du prix le plus élevé jamais atteint pour une œuvre d'un artiste vivant aux enchères publiques, mais cette comparaison reste contestée car l'œuvre a été divisée en plusieurs unités pour la vente.

· Beeple, « HUMAN ONE » : vendu 29 millions de dollars chez Christie's en novembre 2021. Il s'agit d'une sculpture hybride combinant des éléments physiques et numériques, incluant un composant NFT dynamique.

· Dmitri Cherniak, Ringers #879 : vendu 6,2 millions de dollars chez Sotheby's en juin 2023, pendant un marché baissier. Il s'agit du deuxième prix le plus élevé jamais atteint pour une œuvre d'art génératif lors d'une vente aux enchères. Le total des ventes de la vente Sotheby's GRAILS ce jour-là s'est élevé à environ 11 millions de dollars et a établi huit nouveaux records pour des artistes. Ce n'est pas une spéculation de 2021, mais une preuve de détermination face à l'hiver cryptographique de 2023.

· Tyler Hobbs, Fidenza #725 : vendu pour plus de 1 million de dollars lors de la vente aux enchères contemporaine de Sotheby's en mai 2023, soit cinq fois sa valeur estimée maximale.

· XCOPY, « le gars qui clique droit et enregistre comme » : vendu pour environ 7 millions de dollars lors d'une vente aux enchères SuperRare à la fin de l'année 2021. Plusieurs de ses œuvres ont été vendues pour des millions de dollars.

· Refik Anadol, en plus d’être collectionné par le Museum of Modern Art de New York, est devenu en septembre 2023 le premier artiste à projeter des images sur la façade de l’édifice sphérique de Las Vegas, où il a résidé pendant quatre mois. Avant cela, ses œuvres ont été exposées au Walt Disney Concert Hall, à la Casa Batlló et à la Biennale d’architecture de Venise. Il est devenu en 2016 le premier artiste en résidence de Google.

Ce ne sont pas des cas isolés, mais un ensemble.

Aujourd'hui, un nombre considérable d'artistes numériques sont actifs dans le monde de l'art, avec des ventes aux enchères atteignant des millions, voire des dizaines de millions, et leurs œuvres sont exposées dans des musées des trois continents et occupent une place de choix dans les galeries les plus prestigieuses de l'art contemporain.

Il y a cinq ans, ce groupe n'existait pas.

La frénésie de spéculation est passée, mais l'infrastructure reste solide. Et ceux qui construisent cette infrastructure n'attendent pas que vous compreniez cela.

Six : La nouvelle génération de la famille Médicis a commencé à collectionner

Si vous souhaitez comprendre l'évolution future du marché d'une catégorie d'actifs, recherchez les personnes qui accumulent des actifs en continu pendant un marché baissier.

Un collectionneur se faisant appeler « Cozomo de' Medici ». La notoriété de ce nom n'est pas fortuite.

La famille Médicis a initialement financé Botticelli, Michel-Ange et Donatello, à une époque où ces artistes n'étaient pas encore célèbres et où la peinture venait tout juste d'émerger comme forme d'art. Si l'on considère le passage du temps, le rendement de ces investissements était presque infini.

Alors que les autres ne comprenaient pas, la famille Médicis a compris que les médias étaient en train de changer, et que ceux qui en ont pris conscience en premier façonneraient les classiques.

En février 2023, Cozomo de' Medici a fait don de 22 œuvres d'art génératif au Los Angeles County Museum of Art (LACMA). Le nom de Médicis suffit à lui seul. Ils ont parié que l'art numérique serait aussi célébré par l'histoire que la Renaissance florentine.

Ils ne sont pas seuls :

· Punk6529 : Ce collectionneur anonyme a acheté The Goose pour 6,2 millions de dollars. Il gère une zone muséale dans le métavers, exposant plus de deux mille œuvres. Son collection personnelle a atteint une valeur supérieure à 20 millions de dollars à son apogée. Depuis des années, il publie ouvertement des articles affirmant que les NFT ne sont pas des transactions, mais un nouveau système d'appropriation de la culture numérique.

· Flamingo DAO : un groupe composé d'environ cent membres qui collecte des fonds depuis octobre 2020. Ils possèdent le seul ensemble complet d'attributs CryptoPunks existant, ainsi qu'une série complète d'Autoglyphs. Ils détiennent un Alien Punk, ce NFT acheté en 2021 pour environ 750 000 dollars américains et dont la valeur est aujourd'hui d'environ 13 millions de dollars américains. La valorisation maximale de leur portefeuille a atteint 1 milliard de dollars.

· PleasrDAO : a acheté au gouvernement fédéral américain le seul exemplaire existant de l'album Wu-Tang Clan, précédemment confisqué par les autorités américaines à Martin Shkreli. Ils ont également acquis le NFT Stay Free d'Edward Snowden pour plus de 5 millions de dollars. En outre, ils ont acheté le NFT original du meme Doge et l'ont fractionné pour le revendre. PleasrDAO bénéficie du soutien de a16z.

Ces personnes ne sont pas des spéculateurs particuliers ni des acheteurs ordinaires. Ce sont des collectionneurs et des groupes disposant de fonds suffisants, de convictions et d’une culture suffisante pour continuer à investir après le déclin de la mode NFT, considérant leurs collections NFT comme un actif investissable.

En ajoutant les collectionneurs d’institutions anonymes, les familles qui achètent discrètement et le fait que les enchères sur chaîne de Christie’s suffisent désormais à soutenir sa plateforme dédiée, vous constaterez que la réalité contredit les déclarations publiques selon lesquelles les NFT sont morts.

Les NFT sont en cours d'accumulation. Simplement, leurs détenteurs ne partagent pas quotidiennement leur portefeuille sur X.

L'exemple des Médicis illustre précisément l'essence même de ce commerce :

Avant que les institutions futures ne réalisent qu'elles ont besoin de collectionner un certain médium, identifiez ce médium qu'elles souhaitent collectionner et achetez les œuvres fondatrices à un prix relativement bas, bien en dessous de leur valeur future.

C'est ce que la famille Médicis a fait au départ.

Sept. Redéfinir

Si tu as lu jusqu'ici, tu sais déjà ce que je vais dire.

Le marché traditionnel de l'art est en déclin, en concentration et en vieillissement. Ses principaux acheteurs sont des personnes âgées. Son infrastructure a été conçue pour une génération n'ayant pas grandi à l'ère du web. La prochaine génération, celle ayant grandi avec le web, va bientôt hériter de 80 billions de dollars de richesse.

Certaines des institutions d'art contemporain les plus importantes des États-Unis et d'Europe ont officiellement annoncé leur investissement dans l'art numérique et l'art sur chaîne.

Pendant les 150 dernières années, chaque mouvement artistique important a été ridiculisé pendant des décennies avant d’être pris au sérieux. L’histoire de l’art NFT ne dure que de 7 à 12 ans.

Les principales galeries ont fait leur choix. Pace Gallery a organisé une exposition personnelle de Tyler Hobbs. Sotheby’s gère une plateforme dédiée à l’art numérique. Christie’s opère une plateforme de vente aux enchères entièrement basée sur le web.

Les prix aux enchères sont déjà fixés. Le prix de vente de Beeple a atteint 69 millions de dollars. Pak vaut 91 millions de dollars. Cherniak vaut 6,2 millions de dollars en marché baissier. La création d'Anadol apparaît sur la Sphere de Las Vegas.

Les collectionneurs accumulent massivement, notamment Flamingo, PleasrDAO, 6529, Cozomo, ainsi que des familles de bureaux familiaux moins connues.

Voici les malentendus les plus courants sur les NFT.

Ils considèrent les NFT comme une catégorie d'échange. Ce n'est pas le cas. Il s'agit d'un système de propriété. Avant l'apparition des NFT, la culture numérique disposait de canaux de diffusion infinis, mais la propriété était nulle. Tout était diffusé, rien ne pouvait être véritablement détenu, et toute la valeur allait aux plateformes, et non aux créateurs ou aux collectionneurs des œuvres.

Les NFT ont bouleversé tout cela. La culture peut désormais se propager indéfiniment, tout en étant possédée de manière limitée.

C’est là le point essentiel. Le prix des œuvres d’art a toujours dépendu de trois facteurs : l’origine, l’histoire et la pertinence culturelle, et la propriété sur chaîne ne remplace aucune de ces trois composantes. Elle les renforce.

Les œuvres d'art rares, basées sur la blockchain et dotées d'un consensus social, constituent une nouvelle ressource rare, et les personnes qui les collectionnent aujourd'hui accomplissent ce que chaque génération de collectionneurs autorisés a fait au début de l'émergence de chaque médium artistique finalement important.

Ce qui rend effectivement l'ensemble de l'argument solide, c'est le point suivant :

Les œuvres d'art sur chaîne sont la première catégorie artistique principale dont l'historique de propriété peut être programmé, rendu public et enregistré avec une horodatage depuis sa création.

Il ne résout pas tous les problèmes : les droits d'auteur, le stockage, l'authenticité de l'auteur et la valeur culturelle restent essentiels. Mais il résout plus efficacement la question de l'origine des œuvres d'art que le marché de l'art traditionnel.

Le marché traditionnel de l'art perd des dizaines de milliards de dollars chaque année en raison de contrefaçons, de pertes de provenance et de litiges d'attribution. Avant sa fermeture en 2011, la plus ancienne galerie des États-Unis, Knoedler Gallery (âgée de 165 ans), avait vendu des contrefaçons d'une valeur de 80 millions de dollars, y compris des œuvres attribuées à Rothko et Pollock. Même le « Salvator Mundi », vendu aux enchères chez Christie's pour 450 millions de dollars, est officiellement désigné comme « œuvre de Léonard de Vinci », bien que cette attribution reste contestée.

L'art sur chaîne ne présente pas ce problème. La provenance de l'œuvre est intrinsèque au support. Chaque propriétaire précédent est vérifiable. Chaque transaction est horodatée. Chaque contrat intelligent est auditables.

Pour la première fois dans l'histoire, une œuvre d'art et son historique complet de propriété sont des objets mathématiques immutables.

Vous pouvez cliquer avec le bouton droit pour enregistrer l'image JPEG, mais vous ne pouvez pas cliquer avec le bouton droit pour enregistrer les informations d'origine de l'œuvre. C'est le point essentiel.

C'est la réalisation finale du concept de « dématérialisation » proposé par Sol LeWitt en 1967.

La philosophie est une machine. La machine crée de l'art. La blockchain enregistre tout.

Si vous analysez réellement les données sur les collections du musée, les enregistrements aux enchères, les galeries représentantes, la communauté des collectionneurs, la chronologie historique, les successions patrimoniales, les problèmes structurels du marché traditionnel, ainsi que les avantages du système de propriété fondé sur la chaîne, vous constaterez que la capitalisation boursière de l'art NFT ne peut pas rester indéfiniment à 2 milliards de dollars.

2 milliards de dollars est la capitalisation boursière actuelle d'une catégorie d'actifs :

· Les musées les plus réputés au monde acquièrent leur œuvre fondatrice ;

· La galerie la plus conservatrice au monde signe ses artistes ;

· Les collectionneurs les plus professionnels au monde accumulent en secret ;

· Le système de traçabilité le plus clair de l'histoire ;

Des dizaines de milliers de milliards de dollars en héritage vont bientôt tomber entre les mains des acheteurs ayant grandi avec les écrans, et ce courant de transmission intergénérationnelle génèrera d'immenses bénéfices.

The stake is not in the price, but in the medium itself.

Et ce média a déjà remporté le débat clé unique : les institutions qui décident de ce qui constitue « l'art » ont pris leur décision.

La partie véritablement précieuse de l'art NFT a survécu à l'effondrement spéculatif et s'est institutionnalisée plus rapidement que la plupart des mouvements artistiques controversés de l'histoire.

Les pessimistes affirment que la disparition des NFT est due à l'effondrement du marché spéculatif. Cependant, les données institutionnelles indiquent que la spéculation a disparu, mais que le médium lui-même a survécu.

Cela ne signifie pas que tous les PFP reviendront, la plupart ne le feront pas ; ni que toutes les collections de 2021 sont essentielles. Il s'agit simplement du fait que les œuvres fondatrices de l'art sur chaîne sont en cours d'organisation, de collecte, d'interprétation et de consolidation de leur statut de classiques en temps réel.

L'essentiel n'est pas que les NFT soient de retour.

L'essentiel est que l'art numérique entre dans l'histoire de l'art, tandis que la plupart des gens le traitent encore comme une mode dépassée.

En 1965, vous pouviez acheter une œuvre de Warhol au prix d'une voiture d'occasion. Aujourd'hui, la même peinture se vend pour un chiffre à neuf chiffres. Aujourd'hui, le prix des œuvres d'art numériques fondatrices est exactement le même que celui des œuvres de Warhol en 1965. Ce n'est pas une hypothèse, c'est une donnée que vous pouvez vérifier.

Les salons ont autrefois moqué Manet. Les épiceries ont autrefois moqué Warhol. Aujourd'hui, ceux qui se moquent de Beeple, Anadol, Hobbs et Cherniak ressemblent étrangement à ceux qui ont toujours moqué chaque nouveau médium avant qu'il ne devienne de l'art.

L'histoire prouvera toujours que, dans ce jeu, celui qui finira par paraître idiot. La seule question maintenant est de savoir si vous agirez avant ceux qui n'ont pas lu cet article.