Por qué el mercado de NFT pasará de $2 mil millones a $60 mil millones
Autor original: vangoya, analista de NFT
Felix, PANews

La mayoría de la gente en el mundo de las criptomonedas cree que los NFT ya están obsoletos.

En el mundo del arte, la mayoría cree que los NFT son un fraude que solo engañó brevemente a algunas estrellas de Hollywood y fundadores de criptomonedas en Singapur antes de desaparecer.

Además, hay un tercer grupo, el más ruidoso, que ha estado repitiendo las mismas tres frases durante los últimos cuatro años:

· "Eso no es más que una imagen JPEG."

· "Haciendo clic derecho puedo guardar tu mono valorado en un millón de dólares."

· "Los NFT son un fraude; simplemente suben el precio de imágenes aleatorias de animales para venderlas."

Si te has conectado a internet después de 2021, seguramente has escuchado estas tres frases, e incluso es posible que las hayas dicho tú mismo.

Pero todos estos argumentos son incorrectos, y los datos lo demuestran claramente; realmente no entiendo por qué nadie lo señala públicamente.

En 2025, el volumen de transacciones del mercado de arte tradicional fue de 59.600 millones de dólares, un 4% más que el año anterior, pero aún por debajo del pico de 67.800 millones de dólares registrado en 2022.

Actualmente, el tamaño del mercado NFT es de aproximadamente 2 mil millones de dólares, una caída de alrededor del 90% respecto a su punto máximo. A primera vista, dirías: «Sí, los NFT perdieron».

Pero no se puede juzgar solo por la apariencia. Durante los últimos cuatro años, toda la industria del arte, incluidos los museos, las galerías de élite, las casas de subastas y los coleccionistas más experimentados, han estado construyendo silenciosamente la infraestructura para lo que ellos mismos llaman «algo ya muerto».

Esto no es un artículo de «señal de compra» que te diga que el precio mínimo de tu PFP (NFT de avatar) favorito aumentará 50 veces. Este artículo te llevará a una comprensión profunda:

· Mientras todos estaban observando la tendencia de los precios, ¿qué hicieron los guardián del mundo del arte?

· ¿Por qué cada importante movimiento artístico ha sido ridiculizado durante décadas antes de ser reconocido?

· Por qué la perspectiva bajista sobre los NFT no tiene sentido.

I. El mercado que creías invencible está en realidad encogiéndose

El mercado de arte tradicional tiene un tamaño de 59.600 millones de dólares. Esta cifra fue publicada en el informe de 2026 por Art Basel y UBS. El informe fue escrito por Dr. Clare McAndrew, el analista más respetado en este campo durante más de una década.

En términos de estándares de NFT, este número es muy grande. Pero sobre este número, hay algunas verdades que nadie te ha contado:

· Estancamiento en el crecimiento: ha disminuido desde el pico de 67.800 millones de dólares en 2022, tras dos años consecutivos de caída antes de un leve repunte.

· Contracción del mercado de gama media: El mercado de obras por debajo de 50.000 dólares ha estado en contracción durante más de una década.

· Alta concentración de valor: en la subasta pública, las obras con un precio superior a 1 millón de dólares representan menos del 1% del total de lotes, pero suponen el 54% del valor total.

· Transferencia de riqueza: El informe también señala un importante punto de inflexión inminente: la «transferencia masiva de riqueza». En los próximos veinte años, más de 80 billones de dólares en activos serán transferidos de la generación del baby boom a sus descendientes.

Vuelve a leer esa frase: «El 1% de las obras aporta el 54% del valor». El mercado del arte tradicional no es realmente un mercado de 60.000 millones de dólares. Es un mercado de unos 30.000 millones de dólares dirigido al público en general, más un «super casino» de 30.000 millones de dólares en la cima, donde los multimillonarios negocian obras de Basquiat y Picasso como una forma eficiente de evasión fiscal.

Pero este mercado de élite enfrenta un problema: los compradores son mayores, los comerciantes son mayores y la infraestructura también es antigua. Los jóvenes que heredarán los 80 billones de dólares no crecieron viendo catálogos de subastas de Sotheby's.

They grew up in the internet age.

Por lo tanto, antes de discutir los NFT, aclaremos un punto: los supuestos competidores de los NFT no son un mercado en auge y expansión. Es un mercado envejecido, con serios problemas de centralización, que atraviesa una transmisión intergeneracional, y cuyos herederos no desean esos objetos antiguos. Y esto, precisamente, es lo que se denomina comúnmente como «activo seguro».

En el mercado de lujo, los coleccionistas experimentados están prestando cada vez más atención a la gestión patrimonial, la liquidez y la transmisión, en lugar de descubrir nuevos medios artísticos.

Ahora veamos cómo realmente gastan su dinero las personas que controlan el arte.

Dos: Cuando no lo notaste, el portero ya actuó

El mundo del arte tiene un mecanismo muy especial para legitimar un nuevo medio artístico. El proceso es el siguiente:

A few artists have created a new form of work.

· Los críticos se burlan, los coleccionistas ignoran.

· Unos pocos curadores valientes han incluido estas obras en colecciones institucionales.

Otros museos también han comenzado a imitar las adquisiciones.

The auction house detected the institutional shift and began auctioning such works.

· Las galerías principales han firmado a estos artistas.

· El precio continúa aumentando en las generaciones futuras.

Esta es la táctica habitual, aplicable a la fotografía, el arte video y el arte instalación. Funciona con cada medio que el mundo del arte inicialmente consideró «no arte verdadero».

Y esta misma táctica también se está llevando a cabo actualmente en el ámbito del arte digital y el arte en cadena. La mayoría de las personas no saben que la fase inicial ya se ha completado silenciosamente.

Algunas de las obras en colecciones permanentes de los principales museos:

· MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York): En 2023 adquirió la obra Unsupervised de Refik Anadol. La pieza estuvo colgada en el vestíbulo del museo durante casi un año, atrayendo a 3 millones de visitantes. La adquisición también incluye un NFT asociado y un recuerdo blockchain que los visitantes pueden acuñar.

Ese mismo año, el MoMA también adquirió 3FACE de Ian Cheng. Se trata un NFT generativo que puede leer el contenido del monedero del propietario y cambiar según las variaciones en dicho monedero. Esta obra de arte conceptual no podría existir sin la blockchain.

· Centro Pompidou (París): en 2023 adquirió 18 obras de NFT de 13 artistas. La colección incluye obras de CryptoPunk, Autoglyph y Sarah Meyohas, entre otros. La curadora Marcella Lista la describió como una continuación natural de las obras de maestros de la colección como Bruce Nauman.

· Los Angeles County Museum of Art (LACMA): Posee una de las colecciones de arte on-chain más autorizadas del mundo. En febrero de 2023, el coleccionista Cozomo de' Medici donó 22 obras de arte generativo y blockchain, incluyendo CryptoPunk, Ringer de Dmitri Cherniak y obras de Tyler Hobbs.

Esta es la donación más grande de arte blockchain recibida hasta la fecha por un museo estadounidense. Además, el fundador de Art Blocks, Erick Calderon, donó directamente al museo la versión final de Chromie Squiggle, la obra que marcó el inicio del movimiento de arte generativo en la cadena. LACMA también estableció el primer fondo en un museo estadounidense dedicado exclusivamente a la colección de arte digital de artistas mujeres.

· Instituto de Arte Contemporáneo de Miami (ICA Miami): Fue la primera institución en aceptar la donación de CryptoPunk #5293. En 2022, Yuga Labs donó un segundo Punk e inició el "Programa de Herencia Punks", con el objetivo de llevar CryptoPunks a museos de todo el mundo.

· The Whitney: Durante años ha estado recolectando silenciosamente arte digital y arte en red, y su colección permanente incluye dos obras de Rafaël Rozendaal. Desde 2001, han operado una plataforma de exposiciones digitales llamada Artport.

· Buffalo AKG Art Museum: En diciembre de 2022, organizó la exposición «Peer to Peer», la primera exposición de arte blockchain en un museo estadounidense. El punto histórico planteado por los curadores merece ser recordado: en 1910, el mismo museo organizó la primera exposición de fotografía en un museo estadounidense. En 1910, la fotografía aún no se consideraba arte, a pesar de que ya habían transcurrido tres cuartos de siglo desde su invención.

· Guggenheim Museum: En 2024 se exhibió "Light Line" de Jenny Holzer, una instalación LED de 900 pies de largo que incorpora texto generado por IA.

El Centro Pompidou, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), el Los Angeles County Museum of Art (LACMA), el Instituto de Arte Contemporáneo de Miami (ICA Miami), el Museo de Arte Americano Whitney, el Centro de Arte AKG de Buffalo y el Museo Guggenheim juntos conforman los pilares institucionales del arte contemporáneo en Estados Unidos y Europa, y todos han comprometido formalmente su apoyo al arte digital y al arte basado en blockchain en los últimos cuatro años.

Los que no prestan atención te dirán que las instituciones no se preocupan. Pero de hecho, estas instituciones ya han entrado abiertamente al mercado. La razón por la que el mercado las ignora es simplemente porque el precio mínimo ha caído.

Tres: Cada movimiento artístico que tomas en serio ahora alguna vez fue una broma.

Esta es la parte que los entusiastas de las criptomonedas a menudo ignoran, pero que es ampliamente comprendida por la comunidad artística.

En 1863, el salón oficial francés, el Salón de París, rechazó más de 2.000 pinturas. Debido a la gran cantidad de obras rechazadas y las quejas resultantes, Napoleón III ordenó la creación del Salón de los Rechazados. La gente acudió en multitudes para verlas, pero con el propósito de burlarse. La obra de Manet, El almuerzo sobre la hierba, fue el centro de atención, y los críticos la calificaron como vulgar.

Hoy en día, esta pintura se considera una de las obras fundacionales del arte moderno y se encuentra en el Museo d'Orsay. Si realmente se vendiera, su valor sería una cifra inestimable.

En 1874, un grupo de artistas excluidos por el salón oficial organizó su propia exposición. Un crítico utilizó la pintura de Monet "Impresión, amanecer" como burla y acuñó el término "impresionismo" para insultarlos.

El nombre se extendió así. Más tarde se convirtió en el género más importante de la historia.

Hasta 1987, más de cien años después de la celebración del Salón de los Rechazados, una pintura de Van Gogh rompió el récord de subasta de una obra de arte moderno, superando los precios que habían estado dominados durante mucho tiempo por obras de maestros clásicos. "Girasoles" se vendió en Christie's por casi 40 millones de dólares.

Van Gogh vendió solo una pintura durante su vida. Hoy en día, sus obras se subastan por más de 100 millones de dólares.

This lag is an inevitable part of every artistic revolution, without exception.

Esto no significa que el reconocimiento del arte siempre requiera un siglo. Más bien, la burla suele preceder al reconocimiento, la aceptación institucional llega después, y la revalorización del mercado ocurre al final.

Tomemos como ejemplo el arte pop. En julio de 1962, la exposición de la serie "Campbell's Soup Cans" de Andy Warhol se inauguró en la Galería Ferus en Los Ángeles. Una galería vecina, para burlarse públicamente, colocó latas reales de sopa Campbell en su escaparate y colocó un letrero que decía: "Auténticas, 29 centavos". Solo se vendieron 5 de las 32 pinturas. Finalmente, el dueño de la galería, Irving Blum, compró toda la serie por 1000 dólares.

These 32 soup can paintings are now among the most valuable pieces in the Museum of Modern Art (MoMA) in New York. One painting from the series was privately sold for over $9 million.

La tienda de abarrotes ya ha sido olvidada.

Por ejemplo, con el arte conceptual. En 1967, Sol LeWitt publicó "Paragraphs on Conceptual Art" en la revista Artforum. La primera frase dice: "La idea se convierte en una máquina que fabrica arte". En ese momento, el mundo del arte consideraba esto una filosofía marginal.

Los artistas conceptuales tempranos crearon deliberadamente obras que no podían ser coleccionadas, junto con protocolos, instrucciones y certificados, en parte para criticar el sistema de galerías. Intentaban escapar del mercado.

The auction record for Sol LeWitt has now surpassed $1.6 million. His wall drawings are now held in major museums around the world.

Conceptualmente, un mural es como un contrato inteligente: alguien escribe las reglas, alguien más las ejecuta. El «arte» existe dentro del protocolo.

He invented the framework for on-chain generative art, when there were no blockchains capable of running such a framework, fifty years before the emergence of blockchain.

Ahora veamos cuánto tiempo tomó el nacimiento de estas obras de arte. Esta parte debería sorprenderte:

· Impresionismo: desde ser ridiculizado en 1863 hasta romper por primera vez el récord de subasta del arte moderno en 1987, transcurrieron 124 años.

· Pop Art: tras aproximadamente cincuenta años desde su burla en una tienda de comestibles en 1962 hasta su adquisición permanente por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) a finales de la década de 1960, finalmente se vendió por millones de dólares.

· Arte conceptual: desde el manifiesto de 1967 hasta que los precios en subasta superaron el millón, aproximadamente 35 años.

· Arte NFT: Quantum, que la mayoría considera el primer NFT, se acuñó en 2014. CryptoPunks se lanzó en 2017. Christie's realizó su primera subasta importante de arte NFT en 2021. Pasaron siete años.

Seven years.

Los pintores impresionistas realizaron ocho exposiciones antes de que el mundo supiera cómo llamarlos. Los primeros artistas de NFT aún siguen creando. La mayoría de ellos aún viven. La mayoría de ellos aún se encuentra en la mitad de su carrera. La misma estrategia que se usó para valorar a Manet, Van Gogh, Warhol y Lévy se está desarrollando silenciosamente entre ellos.

El impresionismo tardó décadas en pasar de ser objeto de burlas a tener un valor de miles de millones de dólares. El arte conceptual también enfrentó la misma resistencia.

Su patrón es: aparece un nuevo medio, la sociedad dominante lo ignora, luego una gran cantidad de creadores y coleccionistas lo adoptan, seguido por las instituciones, y finalmente entra el capital.

El ritmo de desarrollo de los NFT ha sido más rápido que el de cualquier movimiento artístico en la historia.

«La idea se convierte en una máquina que fabrica arte.» — Sol LeWitt, 1967
Él estaba hablando de murales. Pero su descripción también se puede aplicar perfectamente a los contratos inteligentes.

Cuatro: Las galerías principales ya han votado con los pies

Si quieres saber qué artistas serán recordados en 20 años, no mires los precios de subasta, fíjate en qué galerías los han firmado. Galerías como Pace, Gagosian y Hauser & Wirth controlan quién entra en los museos y quién aparece en los libros de texto. Son los participantes más conservadores del mundo del arte, y solo firman con un artista cuando creen que será importante dentro de 50 años.

Pace Gallery: fundada en 1960, representa los legados de artistas como Rothko y Sol LeWitt. El artista Sol LeWitt está más estrechamente asociado con la herencia conceptual del arte NFT. Pace lanzó en noviembre de 2021 una plataforma exclusiva de NFT y Web 3 llamada Pace Verso. Desde entonces, han colaborado con numerosos artistas destacados de su roster para lanzar una serie de proyectos NFT:

· Jeff Koons (escultura enviada a la luna)

· Maya Lin

· Trevor Paglen

· teamLab

· DRIFT

· Tara Donovan

· Lucas Samaras

· John Gerrard

· Loie Hollowell

· Leo Villareal

· Random International

Mira detenidamente esta lista. Estos artistas no son nuevos en el ámbito de las criptomonedas. Son figuras reconocidas en el mundo del arte contemporáneo, que publican por primera vez obras NFT a través de una de las tres principales galerías.

Luego, en marzo de 2023, Pace llevó a cabo un acto aún más significativo: organizó una exposición individual para Tyler Hobbs, un artista de arte generativo que ha crecido en el ámbito del arte en la cadena, en su galería principal de Nueva York. Doce grandes pinturas derivadas de su algoritmo QQL se exhibieron junto a obras de Rothko y Calder en la misma sala.

El QQL Mint Pass se vendió por 17 millones de dólares en septiembre del año anterior. Un mes después, durante el mercado bajista de criptomonedas, su precio en el mercado secundario se disparó hasta 28 millones de dólares.

La exposición individual de la galería Pace para un artista de NFT generativo no es un espectáculo, sino una votación.

This is not an isolated case:

Lehmann Maupin Gallery se convierte en la primera galería comercial en aceptar pagos en criptomonedas.

· La galería Hauser & Wirth presenta obras relacionadas con NFT de Jenny Holzer.

· La galería Gagosian acepta pagos en criptomonedas.

Sotheby's launched its own metaverse marketplace in 2021, and since its launch, NFT sales have exceeded $100 million, continuing to pay royalties to artists even as most markets have abandoned on-chain royalty payments.

· Christie's launched Christie's 3.0 in October 2022, the first fully blockchain-based auction platform launched by a traditional auction house.

Las casas de subastas y las galerías de élite no están obligadas a hacerlo. Su negocio es muy rentable incluso sin criptomonedas. Lo hacen porque las personas más sabias en los rincones más conservadores del mundo del arte han analizado los datos y concluido que las tendencias de colección de los próximos 25 años se desarrollarán aquí.

V. Datos concluyentes

Mike Winkelmann ha creado diariamente una pintura digital durante trece años consecutivos y las ha publicado en línea, pero casi nadie las ha notado. Solo tenía un pequeño grupo de seguidores, sin representantes de galerías ni atención de museos, y no tenía ningún lugar en el mundo del arte tradicional.

Sin embargo, en marzo de 2021, la casa de subastas Christie's vendió un archivo compuesto por la unión de sus 5,000 obras completas por 69.3 millones de dólares. Su nombre en línea es Beeple.

Ahora, reúne todos los datos.

· Beeple, "Everydays: The First 5000 Days": vendido por $69.3 millones en Christie's en marzo de 2021. Fue la primera vez que una casa de subastas importante lanzó una obra de arte NFT puramente digital. Beeple se convirtió así en el tercer artista vivo más caro de la historia de las subastas.

· Pak, "The Merge": con un volumen de transacciones de 91,8 millones de dólares en 2021, podría considerarse la venta más alta jamás registrada para un artista vivo en subasta pública, aunque esta comparación sigue siendo controvertida debido a que la obra se dividió en múltiples unidades para su venta.

· Beeple, "HUMAN ONE": vendido en Christie's en noviembre de 2021 por 29 millones de dólares. Se trata de una escultura híbrida que combina elementos físicos y digitales, y que incluye un componente NFT dinámico.

· Dmitri Cherniak, Ringers #879: vendido en Christie's en junio de 2023 por 6.2 millones de dólares, en pleno mercado bajista. Fue el segundo precio más alto en la historia de subastas de arte generativo. El total de la subasta GRAILS de Christie's ese día fue de aproximadamente 11 millones de dólares y estableció ocho nuevos récords de venta para artistas. Esto no es una especulación de 2021, sino una demostración de fe sólida durante el invierno cripto de 2023.

· Tyler Hobbs, Fidenza #725: vendido en la subasta de arte contemporáneo de Sotheby's en mayo de 2023 por más de 1 millón de dólares, cinco veces su estimación más alta.

· XCOPY, el chico de "Haz clic derecho y guarda como": se vendió en una subasta de SuperRare a finales de 2021 por aproximadamente 7 millones de dólares. Varias de sus obras han alcanzado precios de varios millones de dólares.

· Refik Anadol, además de ser coleccionado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, se convirtió en septiembre de 2023 en el primer artista en proyectar imágenes en la fachada exterior del edificio esférico de Las Vegas, donde residieron durante cuatro meses. Antes de ello, sus obras se han exhibido en el Walt Disney Concert Hall, la Casa Batlló y la Bienal de Arquitectura de Venecia. En 2016 se convirtió en el primer artista en residencia de Google.

Estos no son casos aislados, sino un conjunto.

Actualmente, hay un número considerable de artistas digitales activos en el mundo del arte, cuyas obras se han vendido en subastas por cifras de siete y hasta ocho dígitos, se encuentran en colecciones de museos de tres continentes y ocupan un lugar destacado en las galerías más prestigiosas del arte contemporáneo.

Cinco años atrás, este grupo no existía.

La fiebre especulativa ha pasado, pero la infraestructura sigue siendo sólida. Y quienes construyeron la infraestructura no esperarán a que tú lo entiendas.

Seis: La nueva generación de la familia Médici ya ha comenzado a coleccionar

Si quieres entender la dirección futura del mercado de una clase de activos, busca a quienes acumulan activos constantemente durante un mercado bajista.

Hay un coleccionista que se hace llamar «Cozomo de' Medici». La difusión de este nombre no es casual.

La antigua familia Medici financió a Botticelli, Miguel Ángel y Donatello cuando estos artistas aún no eran conocidos y la pintura como forma de arte apenas estaba surgiendo. Si se calcula en términos temporales, el retorno de estas inversiones fue casi infinito.

Cuando otros no lo entendían, la familia Medici sabía que el medio estaba cambiando, y quienes lo reconocieran primero darían forma a los clásicos.

En febrero de 2023, Cosimo de' Medici donó 22 obras de arte generativo al Los Angeles County Museum of Art (LACMA). El nombre Medici lo dice todo. Apostaron por que el arte en línea sería recordado como la Revolución Florentina.

No están solos:

· Punk6529: Este coleccionista anónimo compró The Goose por 6,2 millones de dólares. Opera una zona de museo en el metaverso que exhibe más de dos mil obras. Su colección personal alcanzó un valor superior a 20 millones de dólares en su punto más alto. Durante años, ha escrito públicamente que los NFT no son una especie de comercio, sino un nuevo sistema para poseer cultura digital.

· Flamingo DAO: un grupo compuesto por aproximadamente cien miembros que comenzó a recaudar fondos en octubre de 2020. Poseen el único conjunto completo de CryptoPunks existente, así como un conjunto completo de Autoglyphs. Tienen un Alien Punk, un NFT adquirido en 2021 por aproximadamente 750.000 dólares, que hoy tiene un valor de unos 13 millones de dólares. Su cartera alcanzó una valoración máxima de 1.000 millones de dólares.

· PleasrDAO: compró la única copia existente del álbum de Wu-Tang Clan de manos del gobierno federal de Estados Unidos, que previamente había sido confiscada por el gobierno estadounidense a Martin Shkreli. También adquirió el NFT Stay Free de Edward Snowden por más de 5 millones de dólares. Además, compró el NFT original del meme Doge y lo dividió para venderlo. PleasrDAO cuenta con el respaldo de a16z.

Estas personas no son especuladores minoristas ni compradores comunes. Son coleccionistas y grupos con suficiente capital, convicción y cultura que continúan invirtiendo tras el auge de los NFT y consideran sus colecciones de NFT como un activo invertible.

Además de los coleccionistas institucionales anónimos, las oficinas familiares que compran en silencio, y el hecho de que las pujas en cadena de Christie's ahora son suficientes para respaldar su plataforma exclusiva, descubrirás que la realidad no coincide con el discurso público de que "los NFT han muerto".

Los NFT están siendo acumulados. Simplemente, sus titulares no muestran diariamente su cartera en X.

El ejemplo de la familia Médici es precisamente la esencia de toda la operación:

Encuentra el medio que las instituciones futuras desearán coleccionar y compra las obras fundamentales a precios relativamente bajos, mucho antes de que su valor sea mucho menor que su valor futuro.

Esto es lo que hizo la familia Medici originalmente.

Siete. Redefinir

Si llegaste hasta aquí, ya deberías saber lo que voy a decir.

El mercado artístico tradicional está en declive, centralización y envejecimiento. Sus principales compradores son personas mayores. Su infraestructura fue construida para una generación que no creció en la era de internet. La próxima generación, la que creció en la era de internet, heredará pronto 80 billones de dólares en riqueza.

Algunas de las instituciones de arte contemporáneo más importantes de Estados Unidos y Europa han comprometido oficialmente inversiones en arte digital y arte en la cadena.

Durante los últimos 150 años, cada movimiento artístico importante fue ridiculizado durante décadas antes de ser tomado en serio. Y la historia del arte NFT tiene solo de 7 a 12 años.

Las principales galerías ya han tomado su decisión. Pace Gallery ha organizado una exposición individual para Tyler Hobbs. Sotheby's opera una plataforma dedicada al arte digital. Christie's opera una plataforma de subastas completamente basada en la web.

El precio de subasta ya está ahí. El precio de venta de Beeple alcanzó los 69 millones de dólares. Pak vale 91 millones de dólares. Cherniak vale 6.2 millones de dólares en un mercado bajista. La obra de Anadol aparece en la Esfera de Las Vegas.

Los coleccionistas están acumulando en grandes cantidades, incluyendo Flamingo, PleasrDAO, 6529, Cozomo, y aquellas oficinas familiares menos conocidas.

Estos son los malentendidos más comunes sobre los NFT.

Ellos consideran que los NFT son una categoría de negociación. No es así. Es un sistema de propiedad. Antes de los NFT, la cultura digital tenía canales de difusión ilimitados, pero la propiedad era cero. Todo se propagaba, pero nada podía ser poseído realmente, y todo el valor fluía hacia las plataformas, no hacia los creadores ni los coleccionistas de las obras.

NFTs han revolucionado todo esto. La cultura ahora puede propagarse infinitamente, al mismo tiempo que puede poseerse de forma limitada.

Esto es lo fundamental. El precio de las obras de arte siempre ha dependido de tres factores: procedencia, historia y relevancia cultural, y la propiedad en la cadena no reemplaza ninguno de ellos. Lo mejora.

Las obras de arte escasas basadas en blockchain y con consenso social son un nuevo recurso escaso, y las personas que las coleccionan ahora están haciendo lo que cada generación de coleccionistas autorizados hizo al inicio de cada medio artístico finalmente importante.

Y lo que realmente hace que todo el argumento sea sólido es el siguiente punto:

Las obras de arte en la cadena son la primera categoría artística cuyo historial de propiedad puede ser programado, público y registrada con marca de tiempo desde su creación.

No resuelve todos los problemas: los derechos de autor, el almacenamiento, la autoría y el valor cultural siguen siendo cruciales. Pero aborda el problema de la procedencia del arte de manera más eficaz que el mercado artístico tradicional.

El mercado artístico tradicional pierde miles de millones de dólares anualmente debido a falsificaciones, pérdida de procedencia y disputas sobre la atribución. La galería más antigua de Estados Unidos, Knoedler Gallery (con 165 años de historia), vendió falsificaciones por valor de 80 millones de dólares antes de cerrar en 2011, incluyendo obras atribuidas a Rothko y Pollock. Incluso el cuadro "Salvator Mundi", que se vendió en la casa de subastas Christie's por 450 millones de dólares, es oficialmente etiquetado como "obra de Leonardo da Vinci", aunque esto sigue siendo objeto de controversia.

El arte en la cadena no tiene este problema. La fuente de la obra es inherentemente el medio. Cada propietario anterior es verificable. Cada transacción tiene una marca de tiempo. Cada contrato inteligente es auditables.

Por primera vez en la historia, una obra de arte y su historial completo de propiedad son objetos matemáticos inmutables.

Puedes hacer clic derecho para guardar la imagen JPEG, pero no puedes hacer clic derecho para guardar la información de origen de la obra. Ese es el punto clave.

This is the ultimate realization of Sol LeWitt's concept of "dematerialization," proposed in 1967.

La idea es la máquina. La máquina crea arte. La blockchain registra todo.

Si realmente analizas los datos sobre la colección del museo, los registros de subastas, los representantes de galerías, el grupo de coleccionistas, la línea de tiempo histórica, la situación de herencia y las ventajas del sistema de propiedad con trazabilidad en la cadena, descubrirás que el valor de mercado del arte NFT no puede permanecer eternamente en 2.000 millones de dólares.

2 mil millones de dólares es el valor de mercado actual de una clase de activos:

· Los museos más prestigiosos del mundo están recolectando sus obras fundacionales;

· La galería más conservadora del mundo está firmando a sus artistas;

· Los coleccionistas más profesionales del mundo están acumulando en silencio;

· El sistema de rastreo más claro de la historia;

· Miles de millones de dólares en herencias pronto caerán en manos de compradores crecidos junto a las pantallas, y esta corriente de transmisión intergeneracional generará grandes rendimientos.

La apuesta no está en el precio, sino en el medio en sí.

Y este medio ya ha ganado el único debate clave: las instituciones que deciden qué constituye «arte» ya han tomado una decisión.

Lo realmente valioso en el arte NFT sobrevivió al colapso especulativo y se institucionalizó más rápido que la mayoría de los movimientos artísticos controvertidos en la historia.

Las voces pesimistas sostienen que la muerte de los NFT se debe al colapso del mercado especulativo. Sin embargo, los registros institucionales indican que la especulación ha desaparecido, pero el medio en sí ha sobrevivido.

Aquí no se dice que todos los PFP regresen; la mayoría no lo harán; tampoco significa que todas las colecciones de 2021 sean fundamentales. Se refiere a que las obras fundacionales del arte en cadena están siendo organizadas, coleccionadas, interpretadas y establecidas como clásicas en tiempo real.

Lo importante no es que «los NFT hayan regresado».

The key is that digital art is entering art history, and most people still treat it like a passing fad.

En 1965, podías comprar una obra de Warhol por el precio de un automóvil usado. Hoy en día, la misma pintura se vende por cifras de nueve dígitos. Actualmente, el precio de las obras fundamentales de arte digital es exactamente el mismo que el precio de las obras de Warhol en 1965. Esto no es un mito, sino un dato que puedes verificar.

Salon ridiculó a Manet. La tienda de abarrotes ridiculizó a Warhol. Hoy, quienes ridiculizan a Beeple, Anadol, Hobbs y Cherniak suenan muy similares a quienes ridiculizaron cada nuevo medio antes de que finalmente se convirtiera en arte.

La historia siempre demuestra quién termina luciendo tonto en este tipo de juego. La única pregunta ahora es si actuarás antes que aquellos que no leyeron este artículo.

Enlace original

Haz clic para conocer los puestos disponibles en BlockBeats

Bienvenido a la comunidad oficial de律动 BlockBeats:

Grupo de suscripción de Telegram: https://t.me/theblockbeats

Grupo de Telegram: https://t.me/BlockBeats_App

Cuenta oficial de Twitter: https://twitter.com/BlockBeatsAsia